Пишем учебный натюрморт "с натуры". Стадии работы.
<><> Каждая постановка, пусть даже учебная, имеет свой характер, свою образность, если хотите. Предметы, в ней расположенные, можно сравнить с некими персонажами театральной сцены. Художнику остается лишь выбрать точку зрения и угол обзора в зависимости от пространства, окружающего данные предметы. Для большей наглядности в нашем конкретном случае фотограф уже выполнил компоновку изображения на листе. Итак, пишем натюрморт с торсом Венеры, виноградом и синей бутылкой. Поможет нам в этом Настя Редникова.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Предварительную стадию Настя выполняет простым карандашом. То, что фотографу удалось за считанные секунды, художнику дается не так быстро. Надо разметить композицию, передать пропорции предметов, выразить динамичный характер изгибов статуэтки, и т.д. Затем Настя берется за кисти и гуашь. Много было написано и сказано о том, с чего начинается живопись, а однозначного рецепта, как известно, нет, и быть не может. В данном случае художница обозначает основные контрасты постановки: синего и желтого. И намечает, пока еще эскизно, синюю бутылку и драпировки.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Далее настает черед винограда. Обратите внимание, что на картине образовалась классическая триада основных цветов: красный, желтый и синий. Одновременно Настя немного уточняет складки и слегка прорабатывает «объемность» предметов.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Что же дальше? Ну да, разумеется, торс Венеры. Локальный цвет гипса в реальности представляется белым. Другое дело живопись. Настя пишет скульптуру желтовато-охристыми теплыми тонами в свету и холодными голубовато-сиреневыми в тенях. Смелыми ударами кисти обозначен голубой подсвечник и складки чуть зеленоватой «майонезной» ткани. Для правого верхнего угла картины нашелся интересный розовато-сиреневый оттенок.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
<><>Закончив подмалевок, Настя приступает к завершающей стадии работы над картиной. Теперь, когда не осталось уже «белой бумаги» нужно еще и еще раз «сбалансировать» все цвета и оттенки между собой. Уточняются детали, вводятся дополнительные полутона, обогащающие живопись. На десерт можно «посмаковать» подробности переднего плана, например виноградные листочки или блики света на ягодках.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Вот какая получилась солнечная, радостная, позитивная картина. Настя Редникова затратила на эту работу три занятия по 4 академических часа. Не бойтесь живописи, пишите естественно и свободно! Всем удачи и успехов в творчестве!
.
Поляков В.Б. август 2012
.
.
Обучение живописи. Учебный натюрморт "с натуры". Стадии работы.
<><> Оставив за рамками данной статьи весьма существенный и заслуживающий отдельного рассмотрения вопрос о выборе натуры для живописи, представим, что необходимая постановка уже имеется. В самом деле, залог успеха будущей работы, пусть даже учебной, во многом зависит не только от того, «как», но и от того, «что» мы будем изображать. Дело в том, что живопись, как и сама жизнь, не терпит безразличия, серости и скуки, поэтому художники выбирают для своих картин привлекательные, интересные, запоминающиеся мотивы. Попробуем и мы подобрать что-нибудь, ну скажем, в «деревенском» стиле. Итак, нужные предметы заняли свои места, и перед нами учебная постановка «Натюрморт с тыквами».
.
.
.
.
.
.
.
<><> Приступим? Не спешите сразу браться за палитру и краски. Цели и задачи в каждой конкретной учебной постановке могут и должны быть различными, но прежде всего, необходим визуальный анализ, попросту говоря общий осмотр натуры с целью получения наиболее полной, исчерпывающей информации, характеризующей объект. Присмотритесь к постановке, постарайтесь уловить ее характер, «настроение», если хотите. Не секрет, что писать красками гораздо сложнее, чем рисовать простым карандашом. Живопись основана на работе цвета, и тональные отношения здесь не черно-белые, а цветные. Даже выполняя первую «карандашную» стадию следует помнить, что предварительный рисунок это всего лишь «каркас» для последующего письма красками, и композицию картины в конечном итоге будут определять не линии, а цветовые пятна. Опытному живописцу вполне по силам начать работу сразу непосредственно кистью, и в некоторых случаях новичкам тоже полезно проделывать такое упражнение, хотя бы в эскизах. В данный момент все же наметим контуры будущей картины карандашом. Учитывая, что мы выбрали для живописи кроющий, корпусный материал (гуашь), предварительный рисунок может быть выполнен не обязательно тонкими линиями и не столь детализировано, как того требует, например, прозрачная акварель, сквозь которую карандаш обычно бывает виден.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Настало время взяться за кисти. С чего начать – извечный вопрос для всех начинающих. Надо сказать, что в данном случае нами избрана «плотная» компоновка листа, когда предметы расположены компактно, и пространство вокруг них не так уж велико. Начинающему художнику такой вариант предпочтительнее других, поскольку решить живописными средствами большое пространство, или, как некоторые говорят, «фон» - задача не такая уж простая даже для «искушенных» в живописи. Однако это пространство, своего рода «среда обитания», в которой существуют объекты, все же есть, боле того, оно по своему является базовым, определяющим моментом всей постановки, и поэтому начинаем именно с него, подготавливая тем самым «сценическую площадку» для будущих героев нашей «мизансцены». Сначала легкими прозрачными мазками, почти «по-акварельному» пишем задник (дальний план), затем также легко проходимся кистью по месту расположения наших «персонажей» - «поверхности» стола. Важно: на первых порах не «заглушить» насыщенность краски, к тому же прозрачность помогает острее обозначить масштаб и характер мазка. Необходимо учитывать, что именно сейчас уже закладывается принципиальный характер освещения (в данном случае сверху и слева направо). А мы-то знаем, что предметы, расположенные ближе к источнику света, выглядят более контрастными и немного более яркими.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Все то, что мы с вами только что проделали и продолжаем делать - существенный этап работы, значение которого трудно переоценить. Мы сейчас трудимся над созданием подмалевка, цель его – как можно скорее избавиться от белой бумаги и покрыть легкими, прозрачными пока еще слоями краски всю поверхность картины. Это нужно, во-первых, для предварительной, скорейшей разметки будущей композиции в цвете, а во-вторых, для удержания колористической цельности картины в «одной гамме», как говорят живописцы. Было бы конечно здорово, если бы по мановению «волшебной палочки» белая бумага вдруг сразу исчезла, но поскольку одновременно и сразу записать все поле невозможно, продолжаем работу по частям. Продвигаясь при этом от дальнего плана к ближнему, последовательно пишем медный таз, затем крынку, бидончик, бутылку и так далее.
.
.
.
.
.
.
.
<><>Источником освещения нам служит направленный светильник с лампой накаливания желтого теплого света, значит освещенные участки предметов тоже теплые, а собственные тени холодные. Это легко понять в ясную солнечную погоду, когда все, что освещено желтым солнцем, имеет теплые оттенки, а все, что в тени (освещено голубым небом) – холодные. Бывает, правда, и наоборот: холодный свет из окна и теплые тени внутри комнаты, но это отдельный разговор. Замечу лишь, что распределение локальных цветов на теплые и холодные оттенки – задача в живописи наиважнейшая. Вот, наконец, появляются главные «виновницы торжества» - тыквы. Теперь, когда «белого» уже не осталось, добавляем падающие тени (они тоже холодные), подмалевок завершен, предварительная цель достигнута, и можно слегка перевести дух. У нас получилась довольно симпатичная, но, как будто мимолетная, эскизная картинка.
.
.
.
.
.
.
.
<><> Переходим от подмалевка к более углубленной прописке. Делать это следует осмотрительно, тщательно продумывая, какие места целесообразно пока не трогать, какие надо проработать в первую очередь, каким именно цветом и т.д. Увеличивая толщину красочного слоя, очень важно сохранить свежесть живописи и не потерять общей цельности колорита. Метод «прищуренного глаза», рекомендуемый многими, бывает достаточно эффективен, поскольку позволяет видеть натуру более обобщенным образом, не размениваясь на детали, которые очень часто мешают целостному восприятию объекта. Таким методом легко определить не только самые светлые места, одним из которых, как правило, является блик, но и мысленно разложить колористические особенности постановки на крупные составляющие, как иногда говорится, «по пятнам». Подобное можно наблюдать в туманную погоду, когда, находясь на природе, мы приближаемся к чему-либо, и сначала видим лишь слабо вырисовывающиеся силуэты, затем очертания и краски становятся все яснее, пока не достигнут, наконец полной отчетливости. Снова двигаясь от дальнего плана к ближнему, слегка усиливаем контрасты, более явно распределяя оттенки по холодным и теплым. Не забываем также прорабатывать переходы от освещенных участков к полутеням и собственным теням, выделяя при этом падающие тени. Словом, продвигаем картину к завершению, стараясь, однако, не «засушить» то радостное ощущение живописи, что было получено на стадии подмалевка.
.
.
.
.
.
.
.
<><>Писать натюрморт, что называется по частям, начать «с нуля» и полностью закончить один предмет, один фрагмент картины, потом другой, потом третий и так далее было бы, разумеется, неправильно. Работать необходимо по всей поверхности картины, как бы переключаясь с объекта на объект, с одного фрагмента на другой, постепенно усиливая тона и углубляя колорит в целом. Психологические особенности восприятия подкрепляются в этом смысле простыми законами физики, поскольку наши глаза лучше определяют тон объекта, если быстро переводить взгляд с одного цвета на другой. Именно поэтому необходимо удерживать в поле зрения всю картинную плоскость целиком, а не только данное конкретное место, к которому в определенный момент прикасается кисть. Очевидно, что прежде чем наносить краску на то или иное место в картине, необходимо добиться нужного тона, попросту говоря замешать, развести его на рабочем полигоне т.е. на палитре. Вряд ли стоит пытаться подобрать цвет полностью идентичный натуре (да это и в принципе невозможно), скорее речь идет об адекватности, а главное о взаимодействии тонов между собой и тем самым соответствии их природе в целом и данной постановке в частности. Как уже было сказано, чистых цветов в природе не бывает, а значит исключено применение чистых (из тюбика, или из банки) красок. Смешивая краски, однако, необходимо помнить, что другой крайностью и, если хотите, врагом живописи номер один является "загрязнение" тонов, приводящее к серой, скучной и неинтересной картине. Изрядно вредит общему впечатлению и чрезмерное добавление белил, следствием которого могут стать бледность и, что называется незрелость живописи. Следует быть весьма осмотрительным и в работе с черной краской, тщательно дозируя, а во многих случаях и вовсе отказываясь от ее применения. Каждый отдельно взятый тон должен быть интересен, красив сам по себе, и собранные все вместе они должны составить интересное, красивое впечатление, и тогда картина "оживет", полностью оправдывая свое название - живопись, т.е. "живое письмо". Степень проработки деталей может быть сколь угодно тщательной, но стоит ли доводить картину до такого состояния, как в известной притче, когда нарисованную на холсте муху хочется смахнуть, как живую? Может быть да, а может быть, и нет. Важно только, чтобы живопись не превратилась в раскрашенную иллюстрацию, в «учебник природоведения», а оставалась бы Живописью, полноценной и полнокровной, именно такой, какой мы все ее и любим.
.
.
.
.
.
.
.
<><>И последнее. Стоит ли говорить, что сегодня мы разбирали учебный процесс, в то время как создание произведения искусства, гораздо многограннее, сложнее, и это совсем другая тема. Даже если мы попробуем предложить написать одну и ту же постановку разным начинающим художникам, все они подойдут к работе по-разному и будут писать разными красками. Один будет придерживаться более теплой гаммы, другой более холодной. Кто-то напишет светлее, кто-то темнее и так далее. Результаты выйдут совершенно различными, но если все работы одинаково правдивы и схожи с постановкой, то это благодаря тому, что в них верно и точно соблюдены взаимные соотношения тонов. Следовательно, ни один цвет на объекте нельзя рассматривать отдельно, вне связи его с окружением, и наоборот постоянно сравнивать краски предметов между собой. Живопись подобна музыке, в которой каждая отдельно взятая нота, хотя и красива, но сама по себе мало что выражает и только в определенном сочетании с другими нотами образует мелодию. Что интересно, сыграть эту мелодию можно в более низком тоне или более высоком - она останется все той же мелодией. Но стоит нарушить взаимное расположение составляющих ее нот, как гармония исчезнет, и мелодия просто перестанет существовать. Так же и в живописи. Краска, нанесенная на картину без согласования с соседним окружением, вызывает такое же ощущение дисгармонии, диссонанса, как ненастроенная струна, или фальшиво взятая нота в музыке. Вот почему нельзя подбирать краски вне зависимости от общей ситуации, "поодиночке", а необходимо учитывать их взаимное сосуществование, сравнивать и увязывать друг с другом по всей картинной плоскости, не исключая общего плана, или как говорят фона картины.
Натура, как цель воспроизведения в живописи является для нас отправным моментом, своего рода эталоном. В самом деле, совершенство, гармоничность окружающей природы, да и самого человека, как высшего ее проявления, настолько очевидны, что достигнуть подобного в живописи представляется почти недостижимым. Следует заметить, однако, что рабское подражание действительности ни в коем случае не является истинной целью для художника. Натура не диктатор, а лучший учитель, и изучение, познание ее - лучшая из художественных школ. Проходя через эту великую школу, художник заимствует у природы формы, но пропускает все это через "горнило" собственной души, в результате чего мы видим художественное произведение, а не фотографию. Так, переплавляясь в горниле, все необходимое рождает нечто еще более ценное и важное, именно так появляется искусство. И хотя, речь у нас идет всего лишь об учебном процессе, благородная цель оправдывает средства.
.
Поляков В.Б. август 2011
.
Обучение рисунку и живописи. Особенности национальной школы.
Глава 1. Начало пути.
<><>С детства мечтали научиться рисовать? Хотите заняться живописью, но боитесь,
что не получится? Ничего страшного, главное решиться. И вот решение принято.
Вооружившись карандашами, красками, кистями и бумагой, вы готовы штурмовать
вершины изобразительного искусства. С чего же начать это головокружительное восхождение, столь же интересное и увлекательное, сколь и непредсказуемое? С
ответа на вопрос: кто будет сопровождать меня на этом тернистом пути? Это значит, что нужно определиться с наставником, попросту говоря с преподавателем.
.
<><> В одиночку восхождение совершают лишь немногие и подобный случай оставим за рамками данной статьи. Нас больше интересует среднестатистический случай, т.е. группа и руководитель. Даже если вы остановили свой выбор на художественной школе с мировым именем, помните, что учить вас будет не брэнд,
не авторитет школы, а конкретный человек, художник и педагог, наставник и
учитель рисования и живописи. Прежде всего наведите справки об этом человеке, узнайте, где учился, какой имеет стаж, ученые степени, звания и т.д. В этом помогут также рекомендации и отзывы тех, кого он уже обучил.
.
<><> Итак опытный и весь из себя положительный инструктор по ИЗО найден. Но
кто войдет в команду ваших коллег и собратьев по обучению. Вопрос немаловажный, поскольку в «хорошей» группе вы имеете возможность учиться
в том числе друг у друга, сравнивать свои работы, тянуться за лидерами, помогать отстающим и т.д. Это небезразлично и преподавателю, потому что в «интересных»
группах творческая атмосфера лучше, а значит выше и результат. К сожалению
угадать состав коллектива очень сложно, и тут многое зависит от везения.
Но разузнать у администратора, кто уже записался на курс рисунка и живописи,
вполне возможно.
.
<><> Формирование команды – тема особенная. Почему судьба сводит нас с теми
или иными людьми, и наоборот разлучает с другими? Вопрос для отдельной статьи. Так или иначе есть еще один вариант – персональные, или как их еще называют индивидуальные занятия. Если считаете, что группа для вас всего лишь тормоз, выбирайте педагога (рекомендации
см. выше), и в добрый час! Удачи вам и творческих успехов!
.
Поляков В.Б. 06.06.2010
.
Обучение рисунку и живописи. Особенности национальной школы. Глава 2. Цели и задачи.
<><>Выбирая художественную школу, кружки или курсы
рисунка и живописи, задавались ли вы вопросом: "А для
чего мне это нужно, учиться рисовать?" На первый взгляд
вопрос странный, особенно, если мечтали об этом
с детства. Но, согласитесь, что мечтать и ясно осознавать совсем не одно и то же. Попробуем разобраться?
.
<><>Большинство абитуриентов можно условно разделить
на две основные группы. Первая - это те, кто хочет добиться
значительных результатов, повысить свой уровень (если
таковой имеется) и, возможно, сделать изобразительное
искусство своей профессией. Вторая - те, кому интересен
сам процесс творчества (результат для них конечно тоже
важен, но в меньшей степени). Есть, правда, еще довольно небольшая третья группа товарищей, которые просто хотят испытать себя, опробовать свои возможности. В результате "проверки на дорогах" они либо примыкают к одной из вышеназванных групп, либо вовсе отказываются от дальнейших занятий рисунком и живописью.
.
<><>От целей переходим к средствм. Большинство из тех, кто
оказался в первой группе - люди, как правило стойкие, упорные, можно сказать бойцы по характеру, хотя еще и "необстрелянные". Трудности таких только закаляют, упорство и труд, помноженные на постепенно
накапливающийся опыт, рано или поздно приводят к заметным результатам. Гораздо сложне обстоит дело с представителями второй группы. В самом деле, оказавшись
на необъятных просторах художественного творчества,
очень легко двигаться по "воле волн", или просто кружить
на одном месте. Но не смущайтесь. Таких всегда выручит мудрое, философское отношение к ситуации и природное чувство юмора, да и педагог подскажет и поможет в трудную минуту.
.
<><>Кстати говоря, стойкость, твердость характера нужны
не только для обучения рисунку и живописи, но и в любом
деле. Помните у Высоцкого: "Шаг ступил на ледник, и сник."
Далее по тексту. Что же касается чувства юмора, то у В.С.
с этим тоже все в порядке.
.
<><>И последнее. Занятия рисунком и живописью дело невероятно увлекательное и интересное. Даже если Вы не станете профессиональным художником, сам процесс обучения позитивным образом скажется на внутренних
духовных качествах, изменит не только ваш характер, но даже внешний облик, можно сказать "имидж", благотворно повлияет на взаимоотношения с людьми, коллегами по работе, друзьями и близкими. Не бойтесь трудностей! Удачи вам и успехов в творчестве!
.
Поляков В.Б. 12.07.2010
.
Обучение рисунку и живописи. Особенности национальной школы. Глава 3. Рисунок. Некоторые заблуждения и иллюзии.
<><> Оговоримся сразу. Под словом иллюзии в этой статье подразумевается ложное понимание, толкование чего-либо. Не путайте с другим возможным значением этого слова, как кажущейся видимости или зрительного эффекта,
связанного с "визуальным" восприятием, о котором мы еще поговорим.
.
<><> Итак. Многие, если не подавляющее большинство начинающих рисовальщиков основываются на простом житейском
понятии о том, что объект, который они рисуют, должен быть, что называется похож. Так ли это? В известном смысле да, но это зависит
от того, каковыми являются рамки критерия "похоже-непохоже". Так называемое "сходство" для художника-профессионала и "сходство" для
человека, который только-только начинает учиться рисовать имеют некоторые, подчас весьма существенные отличия. Главное из этих
отличий таково. Опытный рисовальщик, рисуя, наблюдает и размышляет, проникает, можно сказать, в самую суть изображаемого предмета.
Начинающий, теряясь перед многообразием природы, пытается подобно фотоаппарату копировать объект, т.е. рисует формально, не понимая
главного, и в итоге рисунок его все равно выглядит "непохожим". Механическое репродуцирование, срисовывание "по контуру" - типичные
ошибки новичков. Истинной целью художника является осмысленный, или как еще говорят аналитический метод рисования с натуры.
.
<><>Другое весьма распространенное заблуждение, отчасти связанное с первым, это вера, а точнее сказать суеверие в некую волшебную палочку,
называемую простым словом техника. Новичку кажется, что стоит только освоить новый способ изображения, некий технический прием, и все
получится само-собой, и вот вы уже художник! Ах, если бы это было так просто... Когда меня спрашивают, могу ли я научить какой-нибудь
новой технике, я отвечаю, что это слово стоит далеко не на первом месте по значимости, а на первом находится упорный труд. По большому
счету технический способ нанесения изображения на бумагу как раз и формируется как "авторский почерк" той или иной творческой личности
и происходит это не "вдруг", а в результате трудов и постепенного перехода количества в качество. В этом контексте разговоры о
"чудодейственной" технике напоминают мне средневековые истории о "философском камне", магическом средстве, с помощью которого можно
было превратить любой металл в золото. Заманчиво, не правда ли? Но чудес не бывает.
.
<><> И еще вот о чем. Вам, вероятно, попадались объявления, в которых предлагают научиться рисовать в рекордно короткие сроки,
скажем за две недели, месяц, или что-то в этом роде. А стать к примеру доктором, научиться лечить людей за месяц, вряд ли придет
кому-то в голову. Хотя каждому понятно, что академический рисунок - наука ничуть не менее трудная, чем медицина. Впрочем "лечить"
можно по-разному. Вы, возможно, слышали о так называемом "прямополушарном рисовании". Не хотелось бы подвергать сомнению подобный
экзотический метод, но, согласитесь, это, как скажем и гипноз, скорее из области "лечения", а не обучения. Помните: как бы ни велико
было искушение войти в искусство с "черного хода", не поддавайтесь этому!
.
<><>И, как всегда, последнее. Если решили научиться рисовать - смелее вперед к достижению цели! Не бойтесь трудностей!
Удачи вам и успехов в творчестве!
.
Поляков В.Б. 02.09.2010
.
Обучение рисунку и живописи. Особенности национальной школы. Глава 4. Композиция, как основа произведения изобразительного искусства.
.
<><> Говоря о произведениях искусства, мы, конечно,
подразумеваем творения великих мастеров, можно
даже сказать мировые шедевры живописи и графики.
Казалось бы, какое отношение к этому имеют студенты, а тем более новички, впервые в жизни взявшие в руки карандаш или кисть? Самое прямое.
И, хотя, начинающим художникам пока еще очень далеко до величия гениев, но стремиться к этому надо. Даже если вы сделаете всего несколько шагов в направлении творческого роста, считайте, что время потрачено не зря. А таких шагов, не сомневаюсь, будет сделано гораздо больше. Есть такая мудрая пословица "Плох тот солдат, который не мечтает стать генералом"... Невозможно себе представить, чтобы "генералы" от искусства не владели бы мастерством композиции. Вот почему новичку уже в начальный период обучения так важно раз и навсегда усвоить это великое и могучее слово.
.
<><> В переводе с латинского compositio - составление,
соединение, а также сочинение. Художники иногда говорят компоновка, что скорее относится к техническому процессу создания собственно композиции. И хотя эти понятия несколько отличаются друг от друга, четкого водораздела между ними нет. Существует довольно много определений слова "композиция", в том числе и в широком, философском аспекте. В учебном смысле процесс создания композиции это ни что иное, как необходимость разместить изображение таким образом, чтобы весь лист или холст "работал" на лучшую, наиболее выразительную передачу натуры, а значит совершенным образом выражал бы творческую мысль автора. Пространство картины или рисунка, ограниченное краями или рамкой, это своего рода поле деятельности художника, и "распорядиться" им надо удачно и целесообразно поставленной задаче, чтобы работа выглядела органично, красиво и убедительно. В хорошо скомпонованной картине все элементы и детали подогнаны и увязаны между собой так ладно и ловко, что, как говорится, "ни убавить, ни прибавить.." Решить композицию - это значит не только найти правильное соотношение величины изображения переднего и общего плана ("фона"), но и добиться гармоничного взаимодействия всех компонентов картины, как главных, так и второстепенных ее объектов.
.
<><> Представьте, что перед вами картина, ну скажем,
"Оборона Севастополя" А. Дейнеки. Полотно немалых
размеров, колоритное, образное, завораживающее.
Расположение рамы горизонтальное, вытянутое настолько, что ширина более чем вдвое превышает высоту. Отсюда понятно, почему противоборствующие силы, изображенные на полотне, расположены по горизонтали. С левой стороны это "светлые" фигуры моряков, с правой "темные" фигуры фашистов. Остроту конфликта подчеркивают штыки, также направленные горизонтально. Композиционное построение во многом определяется еще и присутствием как динамичных, так и статичных элементов. Идущие в атаку войны, или пикирующий самолет изображены в движении, а фигура павшего солдата или, например, руины домов - в состоянии покоя. Взаиморасположение фигур, элементов и частей картины, как и положено в композиции, тщательно продуманы художником. Батальный сюжет - это в первую очередь борьба, схватка, однако в картине существует некое единство деталей и фрагментов. Вместе с тем внимание зрителя сосредотачивается на главном герое - фигуре матроса со связкой гранат, который безусловно является композиционным центром картины. Художник применил в своей работе контрастную спектральную палитру. Яркую образность холста во многом определяют темно-красное зарево в верхней части картины, желто-розовые камни и синий кобальт морских волн. Драматичность момента подчеркивает сине-зеленые, почти черные мундиры, светло-кремовая матроская форма и темно-синий гюйс, реющий на фоне клубов дыма.
.
<><> Теперь несколько слов о стадиях формирования композиции в изобразительном творчестве. Прежде чем приступить к работе, попытайтесь мысленно представить, вообразить черты или контуры будущего изображения. Этот своего рода замысел, план предполагаемых действий поможет осуществить задуманное. Для начала определитесь, какое расположение листа наиболее целесообразно, горизонтальное или вертикальное. Если работаете "с натуры", можно "наводить" на объект рамку-видоискатель, вырезанную из картона или большие и указательные пальцы, сложенные "прямоугольником". Весьма полезно перед началом основной работы выполнить один или несколько небольших эскизов, как черно-белых, так и в цвете. Помните, что в рисунке композиция главным образом состоит из штрихов и линий, а в живописи все определяется колоритом, взаимоотношением различных цветовых пятен. Чтобы развить в себе "живописные" навыки, неплохо иногда начинать работу непосредственно с подмалевка, минуя так называемую "карандашную" стадию. Хорошим упражнением может стать заполнение, а точнеее сказать организация пространства листа некими абстрактными элементами - штрихами, линиями или живописными пятнами. Не бойтесь эксперементировать!
.
<><> И, наконец, последнее. Как видите роль композиции в искусстве огромна. Значение компоновки в учебном процессе недооценивать тоже не приходится. Не забывайте об этом, что бы вы ни создавали - монументальное полотно, или всего-навсего меленький карандашный набросок. Удачи вам и успехов в творчестве!
.
Поляков В.Б. 22.11.2010
.
.
.
.
© 2009 Творческая мастерская «Поляковстудио»